Sugar Plant, "one dream, one star"

 

No siempre se debe desperdiciar el aliento a los grupos más veteranos por el entusiasmo ciego hacia la pura novedad. Aunque el concepto de "disco de madurez" sea a menudo tan irritante como el fervor por el mero hype, la labor de los analistas debe ser el de manejar y ensalzar con tacto y buen criterio el espacio que unos y otros van dejando en sus aciertos y conquistas en todo momento, o por lo menos en el tiempo que a esos mismos críticos les deje el contacto sereno con sus obras.

El dúo japonés de querencia alternativa formado por Chinatsu Shoyama y Shinichi Ogawa, con hiato pronunciado a sus espaldas -momento en el que Shoyama, por ejemplo, montó Celebs junto a, ni más ni menos, Eiko Ishibashi-, alcanza ya los más de treinta años de trayectoria. Arrancaron mimetizando -sin demasiado lustre, todo hay que decirlo- las enseñanzas de formaciones como Galaxie 500, Seam o Guided by Voices en sus tres discos de los años noventa, lo que les llevó, eso sí, a contar con el apoyo y la simpatía de pujantes próceres de la siguiente camada de corrientes del slowcore y derivados como Low, que ejercieron de anfitriones de Sugar Plant en giras de estos por Estados Unidos.

Un cambio a hacer notar se produjo con su cuarto disco, el aclamado "Dryfruit" (2000), que estrenaba milenio, década y una evolución dentro de su paleta sonora por una parte hacia ritmos aún más sosegados y por otra hacia una sofisticación en sus arreglos, acercándoles incluso a formaciones de pop adulto como Dip in the Pool. "one dream, one star", editado por KiliKiliVilla reincide en el refinamiento de los últimos lustros pero, a la vez, en un corte como "Travelling", retoma en parte los sonidos más adustos de su primera etapa con una claridad de ideas que no se terminaba de plasmar en aquellos días. Es en la secuencia de cortes donde se observa -desde la inicial "Sunrise"- ese viaje del dream-pop pulido, cristalino y preciosista -"Calling" o el cuasi-hit "Anything" recordarán a The Sundays o a los The Innocence Mission de "Umbrella"- con ocasionales adornos electrónicos, a una progresiva 'velvetización' en el tramo final del repertorio que desemboca en "Only to Know You" o la citada "Travelling", que parece salida del tercero de los de Lou Reed.

La suya no es una propuesta ni original ni arriesgada, pero lo que hacen lo perpetran a la perfección, redondeando unas melodías y unos ambientes con mucho oficio -es diferencial el exquisito tratamiento de los colchones de teclados en todo el metraje- y sensualidad (siendo el sumun "Blue Submarine"). Impecables desde cualquier punto de vista.

Como se han superado en mimo y delicadeza respecto a sus habituales coordenadas, no queda otra que proclamar sin titubeos que Sugar Plant han publicado el mejor disco de toda su carrera.

Namitape, "Hetoheto Room"

 

La preponderancia de la tecnología y sus -a menudo, y según se mire- truculentos recursos genera desconfianza, sobre todo entre las viejas guardias indie-rockeras, que utilizan -a veces torticeramente- términos como instrumentos "nobles" (permítanseme las comillas) para discriminar por otro lado todos aquellos que tengan visos de programación, de aparente cálculo artificial o con visos de supuesta estandarización industrial. No estoy hablando necesariamente de la tan traída y llevada IA: justo antes de que se pusiera de moda dicho concepto, ya funcionaba sobre todo en Japón otra pequeña gran alteración digital (con ostensibles diferencias de tratamiento), en este caso el vocaloid. Este último funciona básicamente sobre la sistematización de voces naturales que, a su vez, son encajadas en patrones melódicos de diversa índole.

Los resultados artísticos del vocaloid, como de cualquier otro género o corriente musical, son de una absoluta disparidad. Los hay por lo general extremadamente artificiales, vacuos, y hasta molestos, y los podemos encontrar, otros, valiosos en su reinterpretación -o evolución- de determinados estilos, ya sean históricos o de rabioso presente. Por lógica, todos ellos relacionados (aunque no siempre) con el pop tecnificado.

El enigmático productor Namitape pertenece a esa segunda categoría. Después de tres discos con una estimable recepción por parte del fandom de este tipo de herramientas sonoras -en especial el segundo "Flitter" de 2023 y el tercero "Overfeel" de 2024-, lanza "Hetoheto Room", que tiene la valía fundamental de estilizar lo ya desarrollado en dichos álbumes, que adolecían de cierta opacidad en la producción, para presentarse ahora con más brillo y elocuencia conceptual.

"Hetoheto Room", a los que se aventuren a escucharlo, les remitirá instantáneamente a la electrónica juvenil del Japón de los primeros ochenta, es decir, al techno kayō, tanto en arreglos instrumentales como en los vocalizados. La experiencia es satisfactoria porque reproduce con éxito y frescura la pegada fulminante y la detonación nostálgica que transmitía aquella vertiente musical, dotado todo ello de una circulación harto efectiva a lo largo de cada uno de sus cortes. Un producto del que, tras su audición, te darán ganas de recuperar el mítico "Mysterious Girl" de Chiemi Manabe, a la Taeko Ohnuki más pop -"Shiawase Siren", con su empleo sambista de la percusión y su gracia intrínseca, puede tutear al "Samba de Mar" de la ex-Sugar Babe- o a la Miharu Koshi de "Tutu". También podemos destacar, entre otras, la atmósfera de thriller cyberpunk soft de la canción homónima que titula todo el disco o un bonus lo-fi tan ensoñador y armado de matices como "Kikakira Universe".

El quid de la cuestión no es qué artefactos emplees, sino cómo los emplees. Y lo de Namitape, hasta la fecha, es hacerlo de un modo bastante inteligente y contagioso.

Fellow Mortals, "Stella’s Birth-Day"

 

Simon Dine, antes de formar parte de Adventures in Stereo haciendo samplers, ejerció de cazatalentos para el mítico sello Go! Discs desde finales de los años ochenta. En esta etapa descubrió a The Trash Can Sinatras, uno de esos grupos en la órbita post-Smiths que con el paso del tiempo fueron evolucionando hacia un pop adulto perfeccionista y distinguido a más no poder, formando el triunvirato por antonomasia de aquella escudería junto con The Housemartins/The Beautiful South y Billy Bragg. La relación entre Dine y Francis Reader, líder de los después denominados Trashcan Sinatras, siguió siendo muy estrecha y el segundo fue invitado a participar puntualmente -años 2000- en Noonday Underground, un dúo de trip-hop y electrónica rugosa en general que Dine organizó junto a Daisy Martey, cantante ocasional de Morcheeba. Quizá era cuestión de tiempo, por tanto, que Simon Dine y Francis Reader organizaran su propio proyecto, siendo Fellow Mortals el resultado de dicha especulación.

Cuando quedan pocas semanas para el lanzamiento en todo el mundo del séptimo disco de Trashcan Sinatras, tenemos aquí, en lo que significa mucho más que un mero divertimento de dos figuras legendarias del pop independiente británico, "Stella's Birth-Day": un hermoso regalo para los fans del pop escrupuloso, detallista y sentimental.

Retrasado casi un año -los adelantos, "A Better State" y "Some Lasting Pleasure", datan de la primavera pasada- "Stella's Birth-Day" aborda (con nota) la musicalización de los poemas que el escritor irlandés de la Ilustración Jonathan Swift dedicó a Esther Johnson, "Stella", la relación amorosa más trascendental en la vida del autor de "Los Viajes de Gulliver", que quedó plasmada para la posteridad igualmente en la colección epistolar dedicada a la misma.

Es en la mezcla entre ese pop anglicano y neoclasicista marca de la casa por una parte -con la participación adicional del guitarra solista de los Sinatras, Paul Livingston-, y los arreglos someramente computarizados por otra donde se forjan con total naturalidad estas deliciosas catorce piezas breves -ninguna llega a los tres minutos de duración, menos de media hora en total- que encajan a la perfección con los versos imperecederos de Swift. Pura melosidad Trashcan Sinatras -"Dancing Days", la de paso cortesano "Poetic Dress", la tan primeros noventa "Stubborn Stoics"-, virguerías melodramáticas que se emparentan vocalmente con nuestros añorados Coloma -"Oh, Stella", "This Day", "Who with Reason"-, romanticismo empíreo al modo de Prefab Sprout -"Serious Lines"-, electro-pop pastoral tipo Erasure o Future Bible Heroes -"Some Lasting Pleasure", "So Unkind"- convergen y convencen.

Lo va a tener difícil este año el propio Francis Reader para igualar o superar esta joya de culto que es "Stella's Birth-Day" desde el mismo momento de su edición.

Bill Pritchard, "Haunted"

 

Gracias al sello Tapete Records, especializado en la recuperación de viejas glorias -a veces no tan viejas y otras no tan gloriosas, pero siempre con enorme buen gusto- estamos pudiendo disfrutar de la segunda vida artística de Bill Pritchard. En su momento de irrupción -segunda mitad de los ochenta y principios de los noventa-, para el de Walsall no fue suficiente con contar con la venia de Françoise Hardy -quien participara haciendo segundas voces en "Tommy & Co.", single para el tercer disco solista de Pritchard "Three Months, Three Weeks & Two Days" de 1989-, o hacer un extraordinario álbum a medias con el enfant terrible de la new wave francesa Daniel Darc -"Parce Que", de 1988- o entrar en nómina en un disco tributo tan esclarecedor y en su día mediático como "I'm Your Fan" en homenaje a Leonard Cohen: el nombre de Bill Pritchard quedó relegado para siempre al estatus de mera nota a pie de página de la historia del pop -o prácticamente borrado de la misma-, descontándole de la posteridad toda su presencia como magnífico hacedor de canciones clásicas de pegada exquisita.

Que haya podido grabar con gran periodicidad en los últimos tiempos -tras ver languidecer su trayectoria a finales de los noventa- no deja de suponer un pequeño triunfo para la justicia poética. "Haunted", su última grabación, recupera más que nunca el savoir faire de algunos de sus discos más valiosos, como el citado "Three Months" o "Jolie", gracias a canciones henchidas de vida e inmediatez como las iniciales "Perpetual Tourist", "Smile", o ya más adelante "Lillie": doctas muestras de recio jangle pop.

Más soul-folk son "The Quarter", "Suburb of the World" o "Intrigue and Wonder", dejando "Sweet Melody" como esparcimiento a costa del minué con el fin de tomar respiro hacia el ecuador. Para los momentos de intimismo más incondicional -que más retrotraen en su estado de ánimo a su "Half a Million" de 1988- quedan la propia "Haunted", "Imperfect" u "Oxygen", alzándose esta última como síntesis magistral sobre una caligrafía acotada a lo esencial: sin rodeos y directa a ese corazón todavía manifiesto.

Su mejor disco desde 1991.

João Menezes & Paulo Novaes, "Coisa Híbrida"

 

Sin estridencias ni aparentes alardes compositivos, la comunión entre estos dos músicos y autores brasileños, maceioense y paulistano respectivamente, ha propiciado la cristalización de un producto asombrosamente depurado y naturalista tanto en sus formas sonoras como en la lírica que lo acompaña.

João Menezes forma parte, de manera muy estrecha, de la más que emergente escena de su lugar de origen, Maceió, gracias a su labor como generador de material para los trabajos -presentes y futuros- de Nyron Higor o Bruno Berle (este último será co-productor del inminente disco de debut de Menezes). Novaes, por su parte, posee ya una dilatada carrera en solitario con tres discos propios, a los que sumar otro disco colaborativo con el francotirador electro-disco Henrique Janeiro. Por no hablar del reconocimiento internacional a propósito de la adaptación de Jorge Drexler de una de sus canciones. Además, Novaes también suministró material para protagonistas de la nova vanguarda como 5 A Seco o para el mismo "Nyron Higor", siendo "Me Vestir Em Você" ese punto de encuentro con Menezes -ambos son los autores de la canción- que ha terminado dando lugar a este "Coisa Híbrida" que ahora nos ocupa.

Ahora que está tan de moda el verbo fluir, nada mejor que escuchar este disco para dotar de un ejemplo inmejorable a dicha expresión. Todo sucede con pasmosa desenvoltura -y una síntesis y un encaje juiciosos: diez canciones en menos de 25 minutos-, con una sencillez que podría parece hasta prosaica si no fuera porque hay que pertenecer a contextos tan concretos como de los que vienen João y Paulo para que este tipo de material funcione con prestaciones.

Tras las dos canciones iniciales, el álbum toma cuerpo definitivo con "Respiração de um monge", donde la pentatónica más se libera armónicamente a medida que la base rítmica adquiere, en consonancia, el desenvolvimiento preciso. El recio paisajismo cantautoril de "Passarinho alerta" es otro de los momentos álgidos del muestrario, y terminantes exégesis de pura MPB como "Naomi" o "Bem Pertinho do Céu" (otro top) hacen fantasear sobre lo que debía de haber sido la verdadera continuación del debut de Tribalistas. "Covarde" -con esos acordes 'españolistas'- y la muy sensual "Tiziu" exploran el libro de estilo de Djavan, el referente maceioense global por antonomasia, haciéndose cargo de la robusta plasticidad de este último.

Dos nombres a tener muy en cuenta desde ya.

Pambikallio, "Hydrephos"

 

Curioso que de un grupo tan poco atractivo y por demás anacrónico como los finlandeses Zorse (folk-blues-rock-prog con toques drone) hayan surgido a la postre dos de las propuestas más excitantes de los últimos tiempos. Por una parte su cantante, Litku Klemetti -con al menos dos discos fascinantes de new wave tercera vía, destacados en este blog, como son "Taika Tapahtuu" (2018) y "Ding Ding Dong" (2019)- y por el otro el dúo formado por el guitarrista de aquellos, Lauri Kallio, con Paullina Nyman bajo el nombre de Pambikallio, a los que se añadió en su primera época el batería de Zorse Teemu Mustonen.

Después de un par de placenteras grabaciones sometidas a los meandros de un dream-pop baja fidelidad más bien normativo -como son su disco homónimo de 2022 y "Parc de Pambi" de 2023-, Pambikallio abordan para su tercer larga duración una rotación de sus coordenadas -ya adelantada en su supersingle “Dekadentti” (2024)- hacia un mayor protagonismo de las texturas sintéticas -desarrolladas en plan más ambient por Kallio a su vez en trabajos solo-, aún con parecido espíritu deformante e impredecible respecto a sus anteriores repertorios. Los preámbulos samba-balearic y latin-house de "Pambi Love" y "Peehme" -este segundo entre Polo & Pan y los Pet Shop Boys de "Bilingual"- hacen calentar motores, respectivamente, de cara a dos de sus momentos más lustrosos, como son el hit "Hologrammi" y la muy glitch-chill-out "Göteborg". Lástima que, en medio de ambos esté "Syksyn Hedelmät", la única realmente floja de "Hydrephos", rompiendo el clímax por culpa del abuso de auto-tune y con una melodía incluso demasiado edulcorada para quien esto suscribe.

"Excel" contiene efluvios de techno kayō de inflexiones vocales que remiten casi más a Noosha Fox que a Kate Bush o Elizabeth Fraser. "Hevoset" o "Sun Täytyy Lähtee" se arriman al muzak orientalista lisérgico de Kit Sebastian, y "Nocturno" o "Uusi Maailma" recuerdan indistintamente tanto al city pop de los tiempos de artistas como Saeko Suzuki como al spy music de Virna Lindt.

Francamente, en esta línea de pop alternativo electrónico "Hydrephos" me parece mil veces más fresco y convincente que otras propuestas similares -y más mediáticas- tipo The Marías o Magdalena Bay, estranguladas por una pretenciosidad casi siempre hueca, inane.

From Tampere with love.

Malu Pierini, "Libera Me"

 

Cantautora de origen entre danés y corso, Malu Pierini ha dado con el punto de ductilidad adecuado para su primer larga duración. No fue siempre así: en sus primeros singles digitales y su primer ep "Evergreen" (2022) la encontramos atrapada en un tenaz r&b aun así falto de concisión pericial. Pero el último repertorio, muy enfocado en la bossa nova, en la chanson ye-yé y, en general, en la sutilidad ya de construcciones maduras y nada inseguras, supone un espaldarazo que no deja de llamar la atención, por mucho que trabaje con materiales de sobra asimilados, nada extraños o imprevistos.

Es otra artista que se alinea en la atalaya del pop retro-nostálgico de cocciones templadas que parece que sigue comandando Laufey -a la que Malu admira, así como a otras referencias indispensables como Sade o Tracey Thorn, a las que en estos casos se arrima sobre todo vocalmente- pero que también tuvo en gente como Bic Runga un precedente a considerar teniendo en cuenta esa vaporosa frontera entre el indie de diseño y el mainstream algo resbaladizo en la que siempre se ha movido la neozelandesa.

Los recursos electrónicos que empleaba Pierini en el pasado han sido apartados en pos de una instrumentación más electroacústica, con lujosos arreglos de cuerda que terminan por darle el calado justo a sus composiciones. Malu Pierini trabaja en base a corsés ya masticados, pero que sabe redondearlos con gracia neoclásica -"Fête Des Enfants", "Bernard"-, al albur de la eficiente samba saneada de sobremesa -la canción homónima del álbum-, del french pop de melodrama romántico -"What's Her Name"- o del folk exquisito de revisionistas como 1969 Collective -"Presque Une Historie"-, siendo todo esto en lo que flota, sin lugar a dudas, su hábitat natural.

Ideal para prolegómenos: ya sea justo antes de ver una de Eric Rohmer, para pensar una escapada inminente a la Toscana o, como dicta el breve instrumental incluido casi al final de este "Libera Me", para decidir fundirse en un acto de cariño no por universal menos excitante.